21 de fapte despre Keith Haring

1. Prima introducere a lui Keith Haring în artă a venit prin intermediul tatălui său, care a desenat desene animate și și-a învățat fiul multe dintre tehnici. Cu toate acestea, Haring nu a văzut inițial corelația cu artele frumoase, spunând odată despre primele sale desene animate: „În mintea mea, totuși, exista o separare între a face desene animate și a fi un „artist”…”

2. Trei dintre primele influențe artistice ale lui Haring au fost Dr. Seuss, Walt Disney și Charles M. Shultz prin intermediul benzii desenate Peanuts.

3. Haring a avut trei surori; toți cei patru copii ai lui Haring au inițiala K-Keith, Kay, Karen și Kristen.

Fotografie prin amabilitatea lui Alen MacWeeney/Corbis via Getty Images

Keith Haring în atelierul său.

4. Perpetuu curios în legătură cu alți artiști și programe de artă, în 1976 Haring a făcut autostopul prin Statele Unite într-un turneu artistic autoghidat.

5. În ciuda faptului că este cunoscut în primul rând pentru desen și că a lucrat cel mai mult cu acesta, Haring și-a petrecut o parte considerabilă din prima parte a carierei sale experimentând cu alte medii, inclusiv colajul, instalația, performance-ul și videoclipul.

„O parte din motivul pentru care nu am probleme în a mă confrunta cu realitatea morții este că nu este o limitare, într-un fel. S-ar fi putut întâmpla oricând și se va întâmpla cândva. Dacă îți trăiești viața în funcție de asta, moartea este irelevantă.”

Keith Haring

6. Prima sa expoziție personală a avut loc la Pittsburgh Arts and Crafts Center (acum Pittsburgh Center for the Arts) în 1978. Înțelegând că pentru Pittsburgh aceasta a fost o performanță în carieră, și-a dat seama că „…nu avea de gând să mai fie mulțumit de Pittsburgh sau de viața pe care o trăia acolo”. La scurt timp după aceea, s-a mutat la New York City.

7. A primit o bursă la Școala de Arte Vizuale din East Village, un premiu care a contribuit la facilitarea relocării sale.

Keith Haring, Untitled (Dancing Dogs), 1981. Vândut la Sotheby’s New York pentru 4,6 milioane de dolari în mai 2014.

8. În timp ce studia la Școala de Arte Vizuale, a reușit să lucreze cu și să se împrietenească cu numeroși artiști care vor contribui la formarea stilului său iconic; mai mult, a reușit să studieze cu artiști de primă mărime care erau profesori la școală, inclusiv Keith Sonnier și Joseph Kosuth.

9. Graffitile cu vopsea spray, care pot fi văzute peste tot în New York, au avut o influență profundă asupra dezvoltării stilistice timpurii a lui Haring. El a fost inspirat atât de originalitatea și spontaneitatea acestuia, cât și de trăsăturile caligrafice din cadrul „tag-urilor” artiștilor.”

„…desenele din metrou” au început să se întoarcă împotriva lui, pentru că toată lumea fura piesele. Mă duceam jos și desenam în metrou, iar două ore mai târziu fiecare piesă dispărea. Apăreau la vânzare.”

Keith Haring

10. După ce s-a mutat la New York, Haring a observat că multe dintre panourile publicitare din metrou erau lăsate goale (după ce o reclamă fusese îndepărtată, iar spațiul respectiv aștepta un nou afiș). Acestea aveau să devină suportul pentru „desenele sale din metrou.”

Fotografie realizată prin amabilitatea Laurei Levine/Corbis via Getty Images

Keith Haring desenând pe o platformă de metrou din New York, în jurul anului 1985.

11. Odată ce a început să producă „desenele sale din metrou”, realizate în principal cu cretă albă, practica sa a devenit prolifică; în cele din urmă a realizat sute între 1980 și 1985.

12. „Desenele de metrou” ale lui Haring i-au permis acestuia să se implice cu publicul său într-un mod incredibil de unic. Amintindu-și de timpul petrecut lucrând în metrou, el a spus: „Învățam, urmărind reacțiile și interacțiunile oamenilor cu desenele… Având acest feedback incredibil din partea oamenilor, care este unul dintre principalele lucruri care m-au făcut să continui atât de mult timp, a fost participarea oamenilor care mă priveau și tipurile de comentarii și întrebări și observații care veneau de la fiecare gamă de persoane pe care ți le poți imagina…”

13. Pe măsură ce cariera lui Haring a progresat, a ajuns în punctul în care a vrut să vândă și să se întrețină cu lucrările sale pentru a se putea concentra pe crearea de noi lucrări cu normă întreagă. Acest lucru l-a determinat să se alăture Galeriei Tony Shafrazi.

14. Prima expoziție personală a artistului la galeria lui Shafrazi a marcat sosirea sa oficială în curentul principal al lumii artei; expoziția a fost un succes de critică, la care au participat sute de persoane și a atras un volum mare de atenție din partea presei.

Keith Haring, Self-Portrait For Tony , 1985. Vândut la Sotheby’s New York pentru 4,6 milioane de dolari în noiembrie 2016.

15. Faima și popularitatea în creștere a lui Haring în anii 1980 au avut un efect distinct asupra manierei sale de lucru, în special asupra „desenelor sale de metrou”. Pe măsură ce acestea deveneau mai puțin anonime, și-a amintit: „…desenele de la metrou” au început să se întoarcă împotriva lor, pentru că toată lumea fura piesele. Mă duceam jos și desenam în metrou, iar două ore mai târziu fiecare piesă dispărea. Ele apăreau la vânzare.”

16. De-a lungul carierei sale, a fost frecvent arestat sau amendat pentru vandalism. Cu toate acestea, celebritatea sa din ce în ce mai mare în anii 1980 a contribuit la minimizarea repercusiunilor. De exemplu, a fost arestat la scurt timp după ce și-a finalizat pictura murală, devenită acum iconică, Crack is Wack din Harlem, și risca până la un an de închisoare. Cu toate acestea, lucrarea devenise o senzație peste noapte, iar după ce Post a publicat un articol despre arestarea lui Haring, comunitatea, mass-media și orașul i-au luat apărarea. În cele din urmă a fost amendat doar cu 100 de dolari.

17. Haring și-a deschis faimosul Pop Shop în 1986, care era un magazin de vânzare cu amănuntul care vindea diverse forme de mărfuri, de la tricouri la jucării și postere, purtând imagini ale lucrărilor sale. Descriind impulsul pentru magazin, Haring a declarat: „Lucrările mele începeau să devină mai scumpe și mai populare în cadrul pieței de artă. Aceste prețuri însemnau că doar persoanele care își permiteau să plătească prețurile mari ale operelor de artă puteau avea acces la ele. Magazinul Pop Shop o făcea accesibilă.”

Fotografie prin amabilitatea lui James Leynse/Corbis via Getty Images

Locul de joacă Crack is Wack este situat în East Harlem, în partea superioară a Manhattanului. Keith Haring a pictat faimoasa pictură murală Crack Is Wack în 1986 pentru a transmite un mesaj antidrog comunității.

18. Atractivitatea și accesibilitatea în masă a operei lui Haring a avut adesea un efect negativ asupra recepției critice a elitei din lumea artei, și anume în rândul criticilor și curatorilor. El a pus în mare parte acest lucru pe seama faptului că a reușit să ocolească, în esență, „canalele adecvate” ale lumii artei (și, astfel, aceiași critici și curatori) și să se adreseze direct publicului și audienței sale.

19. Haring s-a implicat în numeroase organizații de caritate și cauze, în special în cele care implicau copii. El a organizat frecvent ateliere de desen, atât în cadrul școlilor, cât și la muzee, pentru copiii din întreaga lume. Unele dintre aceste ateliere au avut loc în locuri precum Tokyo, Londra și, bineînțeles, New York City.

Fotografie prin amabilitatea Bridgeman Images

Keith Haring lucrând la pictura murală Tuttomondo de la Biserica Sant’Antonio din Pisa. Finalizată în 1989, cu un an înainte de moartea lui Haring în 1990, a fost ultima sa lucrare publică.

20. Haring a fost diagnosticat cu SIDA în 1988, iar în anul următor a înființat Fundația Keith Haring. Unul dintre obiectivele cheie ale fundației a fost, și încă mai este, să ofere finanțare și sprijin pentru cercetarea și organizațiile caritabile pentru SIDA.

21. Deși era profund conștient de efectele afecțiunii sale medicale, deoarece mulți dintre prietenii și colegii săi pieriseră din cauza bolii încă de la sfârșitul anilor 1980, Haring și-a păstrat o perspectivă filozofică asupra vieții sale până la sfârșit, spunând: „O parte din motivul pentru care nu am probleme în a înfrunta realitatea morții este că, într-un fel, nu este o limitare. S-ar fi putut întâmpla oricând și se va întâmpla cândva. Dacă îți trăiești viața în funcție de asta, moartea este irelevantă.”

.

Lasă un răspuns

Adresa ta de email nu va fi publicată.